Angela Gregory : Portraits et processus

Angela Gregory (1903-1990) est mieux connue pour ses commandes de sculptures pour des bâtiments aussi importants que le Capitole de l'État de Louisiane. Pourtant, un examen plus attentif révèle l’intérêt constant qu’Angela avait pour le portrait. Elle a sculpté plus d'une centaine de portraits de personnes en argile, en plâtre, en pierre, en bronze et parfois en marbre, allant de reliefs architecturaux à grande échelle et de monuments publics à des bustes et têtes de portraits de table, et même de petites pièces de monnaie commémoratives. Réalisés tout au long de sa vie, ces portraits démontrent son adhésion inébranlable à la tradition sculpturale du XIXe siècle dans laquelle elle a été formée. Son travail porte l'influence des maîtres français Auguste Rodin et Antoine Bourdelle, ce dernier auprès duquel elle étudiait à la fin des années 1920. Pourtant, son travail n’est pas une simple réplication. Angela a apposé sa propre empreinte expressive sur son travail, produisant des sculptures modernes révélatrices de ses capacités techniques et de sa personnalité expressive. Artiste féminine dans un domaine dominé par les hommes, elle était parfaitement consciente de son statut de pionnière même si elle ne se définissait pas comme une « femme artiste ». Même si sa production n’est pas consciemment féminine ni sentimentale, la sensibilité qu’elle ressent envers son sujet est évidente. Cela est particulièrement évident dans ses représentations d’Afro-Américains, qui comptent aujourd’hui parmi ses œuvres les plus célèbres. Angela croyait que tout le monde était un sujet d’art valable. En effet, sa production comprend des portraits d’amis, de membres de sa famille et de personnes qu’elle a connues, ainsi que des commémorations commandées de personnages historiques. La sélection de maquettes en plâtre, de modèles et de bronzes finis d'Angela Gregory exposés donne un aperçu du travail de portrait de cet important artiste de Louisiane.

Cette exposition organisée par Elizabeth Chubbuck Weinstein est la deuxième d'une série d'expositions annuelles interprétant la vie et l'art d'Angela Gregory.

Portraits d’Afro-américains

Angela Gregory faisait partie des artistes du début du XXe siècle qui représentaient des Afro-Américains. Née en 1903, elle a grandi à la Nouvelle-Orléans et avait la soixantaine au moment de l'adoption de la loi des Droits civiques. Pourtant, Angela croyait que tout le monde, quelle que soit sa race, son origine ethnique ou son statut social, était un sujet approprié pour l’art. Sa croyance était due en partie à son éducation dans la foi unitarienne, un mouvement religieux libéral basé sur la raison, la tolérance et l'égalité. Contrairement à la Nouvelle-Orléans où les lois sur la ségrégation étaient en vigueur, Paris était un refuge pour les expatriés afro-américains dans les années 1920 et des artistes tels que Picasso incorporaient des aspects de l'art africain et de la culture noire dans leur travail. Angela a étudié à Paris de 1925 à 1928. De retour chez elle, elle s'est inspirée de son environnement immédiat. Cet été-là, elle demande à la fille de la gouvernante de la famille Gregory de poser pour elle, une jeune femme noire presque du même âge qu'elle. Nommé La Belle Augustine, ce buste était accompagné en 1929 de Faithful George, un portrait de George Lewis, le porteur noir de l'école d'ingénierie de l'université de Tulane où travaillait son père. Angela a décidé de créer une série de portraits de Noirs du Sud pour démontrer leur grâce et leur dignité. En quête de financement, elle a soumis une proposition qu'elle a appelée « The Negro Project » à la Fondation Guggenheim naissante, mais elle a été refusée. Elle a déclaré plus tard : « Je suppose qu’une jeune sculptrice blanche du Sud faisant des études sur les Noirs était tout simplement trop peu orthodoxe pour que la Fondation Guggenheim l’envisage dans les années 1920. » Néanmoins, les portraits d’Angela de Noirs ont été largement exposés au cours de sa vie et sont aujourd’hui considérés comme l’une de ses œuvres les plus célèbres.

Processus de création artistique

“ [La sculpture] naît dans l'argile, meurt dans le plâtre et renaît dans le bronze ou la pierre."
– Angela Gregory

Naître dans l’argile

Angela Gregory travaillait sur le modèle réel et demandait souvent à des personnes qu'elle connaissait de poser pour elle. Parfois, elle faisait des dessins préliminaires, mais elle élaborait toujours ses idées en trois dimensions dans une sorte d'argile appelée plasticine, ou pâte à modeler. Pour éviter que l'argile ne s'effondre, Angela a d'abord fabriqué un support interne appelé armature. Elle a plié le fil d'aluminium en forme de T, l'a enveloppé avec plus de fil, puis a appliqué des bandes de tissu en sisal. Pour la solidifier, la structure a été plongée dans une solution de plâtre humide. Au sommet de ce cadre, Angela a ajouté de l'argile qu'elle a moulé avec ses mains, laissant derrière elle des rainures, des marques et des empreintes digitales expressives.

Mourir dans le plâtre

Angela a ensuite immergé son étude en argile dans une cuve de plâtre humide et l'a laissée sécher complètement. Elle a ensuite gravé et sculpté la surface en plâtre dur. Des recherches approfondies préalables garantissaient que même les plus petits détails étaient exacts, surtout lorsqu'elle représentait des personnages historiques. Si elle n’est pas satisfaite, Angela a recommencé le processus avec de l’argile. Angela réalisait souvent plusieurs études en argile et en plâtre de différentes tailles. Finalement, un modèle réduit appelé maquette a été réalisé. Le plâtre étant poreux et s'abîmant facilement, Angela créait parfois une maquette secondaire de l'original avant d'en réaliser une réplique en bronze ou en pierre.

Renaître dans le bronze…

Pour couler son œuvre en bronze, Angela a expédié ses maquettes en plâtre à une fonderie spécialisée dans le procédé ancien connu sous le nom de cire perdue. Toujours utilisé aujourd'hui, ce procédé consiste à réaliser une image inversée du modèle en plâtre en latex ou en caoutchouc soutenu par une enveloppe extérieure dure en plâtre. Dans ce moule, la cire est coulée et durcie. Une fois libérée, la copie de cire est perfectionnée et équipée d'une série de trous de coulée ou de passages, puis plongée dans de la silice pour créer une coque et une doublure ignifuges. Placée à l’envers dans un four ardent, la cire est alors « perdue ». Le bronze en fusion est versé dans la cavité chaude. Après refroidissement, la coque est brisée pour libérer le métal moulé et la surface du bronze est affinée et nettoyée. Une patine est appliquée immédiatement dans des couleurs allant des nuances de brun et de vert aux teintes bleues, noires ou même rougeâtres.

…ou la pierre

Au lieu du bronze, Angela ciselait occasionnellement une copie en pierre. Elle a pu mesurer la distance exacte entre les points de la maquette pour en faire une réplique exacte ou plus grande ou plus petite en utilisant un appareil mécanique qu'elle a appelé une « machine à pointer ». L'appareil en forme de rapporteur appartenait à l'origine au célèbre sculpteur Auguste Rodin. Il a confié l'outil à son assistant principal Antoine Bourdelle, qui l'a à son tour transmis à Angela à la fin de ses études.